"El cine narra las historias de la mejor manera posible: mostrándolas."
Para entender el cine lo mejor que puede hacerse es leer "El manifiesto
de las siete artes" del italiano Riccioto Canudo. La colección azul de
Cátedra lo editó dentro de una antología titulada "Textos y manifiestos
del cine". ¿Qué dice, en pocas palabras (al fin y al cabo lo que más nos
gusta es el cine), el manifiesto mencionado? ¿Qué es el cine? ¿Podemos
definirlo en esta era que le huye a las definiciones, que las relativiza
todas? Por lo menos podemos decir, con El manifiesto, que el cine es el
séptimo arte. Sí, es el lugar común de la definición, pero va a esto:
el hombre, en su instinto de no dejar escapar el mundo, finge la
realidad de dos maneras: temporal y espacial. Las artes espaciales
(arquitectura, pintura, escultura) contienen u ocupan las tres
dimensiones que conocemos. Las temporales (danza, música, literatura)
pretenden registrar, modificar, iluminar el paso del tiempo.
El cine finge la realidad de ambas maneras. Sintetiza los dos tipos de artes.
Reúne a la arquitectura, a la pintura, a la escultura, a la danza, a la
música, a la literatura en una sola pantalla que ocurre en el tiempo.
Canudo hablaba, por eso, de un séptimo arte.
Para todos los que disfrutan de este arte llamado cine tirado en el sofá y le gustan dejar rienda suelta a su imaginación como a mi, va dedicada esta página, donde voy recogiendo las películas que veo en el día a día y que considero que merecen dedicarles un tiempo para verlas.
- NORDWAND (NORTH FACE)
Interesante producción que nos narra con una mezcla de realidad y
ficción, una de las mas celebres tragedias del mundo del alpinismo, como
fue el intento de ascenso al Monte Eiger por los alemanes Anderl
Hinterstoisser y Toni Kurz en 1936 (con las Olimpiadas de 1936 a la
vuelta de la esquina), al mismo tiempo que lo hacían una pareja de
austriacos, en una especie de competición debido a la época y a la
expansión del nazismo.
Aunque no estés muy puesto en el tema, ni seas conocedor de la tragedia,
merece la pena echarla un visionado, mas en base a la historia de los
alpinistas, a su magníficamente fotografiada odisea y extraordinarios
paisajes (impresionante las escenas en el interior del túnel excavado en
la montaña de 7122 metros, en los comienzos del siglo XX, que empieza
en el Eiger, cruza la cara norte y luego lo rodea) y a las
circunstancias tanto históricas como personales de estos.
Benno Fürmann en el papel de Toni Kurz y Florian Lukas en el de su
intimo amigo y compañero de fatigas, Andreas Hinterstoisser, realizan un
gran trabajo, destacando además a Johanna Wokalek (Gudrun Ensslin en
Der Baader Meinhof Komplex 2008), en el papel de la intrépida reportera
por la que Toni bebe los vientos, que aunque parece ser que no tuvo el
peso en la historia que muestra en esta producción, no desentona en
absoluto.
- THE CROW (EL CUERVO)
Además de ser una película de culto (esta película la veo todos los años a principio de noviembre) y la última actuación de Brandon Lee
(fue tiroteado accidentalmente por una bala de verdad en vez de fogeo durante el rodaje de una escena del
mismo film) es una historia maravillosa. A pesar de toda la oscuridad
del film muestra que el amor es mas fuerte y que dura más allá de la
muerte. Es una película muy buena e interesante y esto se logra gracias a los
personajes ya que hacen una interpretación espectacular, sino fijense en Brandon Lee. La película se presentó como un homenaje a Lee ya que al final puede verse una dedicatoria que dice "para Brandon y Elisa".
El músico de rock Eric Draven es brutalmente asesinado al ser arrojado
por una ventana de su departamento y su novia, Shelly Webster, después
de ser violada
por varios hombres, es llevada al hospital y después de unas horas
muere también. El doble crimen fue perpretado por una banda liderada en
su plenitud por Top Dollar, la cual asola las entrañas de la ciudad. El
asesinato se produce en una noche llamada la noche del diablo (noche antes de Halloween). Un año más tarde, Eric resucita gracias a la ayuda de un cuervo que lo devuelve a la vida; regresa a la ciudad donde fue ejecutado con el único objeto de vengarse. Eric obtiene inmortalidad,
una fuerza sobrehumana, visión sobrenatural (al tocar una persona puede
sentir lo que ésta siente) y protección del cuervo, su guía espiritual
que enlaza el mundo de los vivos con el reino de los muertos. Así, no se
detendrá hasta dar por vengado el daño hecho a él y su novia, algo que
conseguirá cuando, por fin, someta al rey del crimen y a sus seguidores.
- ACERO PURO
No hay que buscarle tres pies al gato, lo que propone
Levy (una pena que no la haya dirigido otro director con más talento) aquí es un cómic de héroes de carne y hueso, un simpático melodrama
paterno-filial fundamentalmente para chavales, un cómic audiovisual
plano pero entrañable que cae bien reivindicando el factor humano, el
puño de carne y hueso frente al puño de hierro en la era en que las
máquinas y la alta tecnología nos han robado nuestra identidad y nuestra
cordura. "Acero puro" es película de hijos con padres y viceversa; no la juzguen como una cinta adulta porque ni lo es ni quiere serlo. Yo la recomiendo porque me ha recordado mucho a la saga de "Rocky" o hasta "Yo, el halcón" , porque en el fondo soy un poco infantil, o porque sale Hugh Jackman, que mas da, lo importante es que cuando salen las letras del final, no quedes indiferente. Como anecdota decir que los robores fueron construidos originalmente y no hechos a ordenador.
- DRIVE
La historia es sencilla, que no simple, y el provecho que se saca de ella es máximo. Ryan Gosling, también ninguneado en las nominaciones y ya no sólo por este film, da vida a un conductor de coches que trabaja en un taller y de especialista de cine, pero también tiene otro curioso trabajo: es chófer en atracos. Su vida se complica cuando conoce a una chica y su hijo pequeño. El marido de ésta acaba de salir de la cárcel y debe dinero por protección. Nuestro héroe, por amor, decidirá ayudarle y como consecuencia una serie de hechos fatídicos tendrá lugar. En la mejor tradición del Film Noir, la fatalidad y el destino por el que están marcados los personajes, serán los principales elementos de una historia que esconde más de lo que parece a simple vista. Me encanta el actor Ryan Thomas Gosling.
La historia es sencilla, que no simple, y el provecho que se saca de ella es máximo. Ryan Gosling, también ninguneado en las nominaciones y ya no sólo por este film, da vida a un conductor de coches que trabaja en un taller y de especialista de cine, pero también tiene otro curioso trabajo: es chófer en atracos. Su vida se complica cuando conoce a una chica y su hijo pequeño. El marido de ésta acaba de salir de la cárcel y debe dinero por protección. Nuestro héroe, por amor, decidirá ayudarle y como consecuencia una serie de hechos fatídicos tendrá lugar. En la mejor tradición del Film Noir, la fatalidad y el destino por el que están marcados los personajes, serán los principales elementos de una historia que esconde más de lo que parece a simple vista. Me encanta el actor Ryan Thomas Gosling.
- RUDY, RETO A LA GLORIA
Para empezar esta critica debo decir que soy un enamorado del cine de deportes, bueno del deporte en general. Por eso tal vez me llegan más este tipo de historias de pequeños y grandes triunfos. Esta película carece de cualquier glamour, carece de cualquier épica, es más una historia de la lucha de cada día, del esfuerzo y el sacrificio diarios por algo que amas y deseas con todas tus fuerzas.
Para empezar esta critica debo decir que soy un enamorado del cine de deportes, bueno del deporte en general. Por eso tal vez me llegan más este tipo de historias de pequeños y grandes triunfos. Esta película carece de cualquier glamour, carece de cualquier épica, es más una historia de la lucha de cada día, del esfuerzo y el sacrificio diarios por algo que amas y deseas con todas tus fuerzas.
Rudy
es la historia de un joven demasiado bajito para jugar al futbol
americano, demasiado pobre para ir a la universidad de Notredame, el
sueño de su vida, el equipo de su infancia , pero con una tenacidad tan
enorme que tuvo una pequeña recompensa, tan pequeña que se convirtió en
la más grande de todas en la universidad con el mejor equipo de fútbol
americano. Rudy
alcanzo su sueño el ultimo día de su carrera, durante 4 años estudio,
trabajo y entreno. Lucho por formar parte de un equipo con los mejores
chicos de todo su país, lucho para finalmente conseguir pertenecer al
tercer grupo de suplentes del equipo, el suplente numero 33 de un equipo
de 11 jugadores. Durante cuatro años entreno antes de las clases
y después del trabajo. Vio todos los partidos sentado al borde del
campo, soñando con jugar.
El ultimo partido, a falta de pocos
minutos para la finalización, todo el publico del estadio, instado por
los jugadores comenzó a corear "Rudy, Rudy, Rudy". El entrenador un hombre estricto, pero justo reconoció el esfuerzo de Rudy dejandole jugar ese minuto, un minuto en cuatro años. Toda una vida para Rudy. No hizo ninguna jugada espectacular, no hizo falta. 30 años después jamas todo el publico de Notredamme ha coreado jamás el nombre de un jugador. Dirigida por David Anspaugh (Hoosiers) y protagonizada por Sean Astin
(El señor de los Anillos), con una buena interpretación de Austin y una
soberbia música de Jerry Goldsmith (espectacular el tema The final
game).
- INFIERNO BLANCO
Un avión se estrella en una región perdida de Alaska, un escenario que
muestra una fotografía deslumbrante, instantáneas documentales del
hombre perdido en un medio salvaje. El grupo marcha en busca de la
civilización y para ello, debe sobrevivir en un territorio dominado por
el lobo (representación de la Muerte que se va llevando uno a uno cuando
llega su momento). Una lucha por la supervivencia en un medio donde uno
a penas ve el peligro acechante, salvo en tensos momentos y fugaces,
normalmente por la noche, en donde tan sólo percibimos unas siluetas y
los destellos de unos ojos inhumanos. La música, dramática e intensa,
acompaña los momentos más significativos de la trama (como a lo largo de
esos flashbacks, brillantes y algo más cálidos del protagonista, que
suavizan el contenido de una cinta demasiado dura y violenta).
Infierno Blanco presenta una trama que no se centra únicamente en la
supervivencia de un grupo de hombres en medio de una naturaleza salvaje y
extrema, sino que también ofrece una experiencia de relación con la
vida y la muerte en continua acción, y cuestiona las dudas
antropológicas acerca quién decide sobre la existencia del ser humano:
¿qué da la fuerza para continuar en la lucha en la que unos mueren y
otros sobreviven? ¿Qué es lo que mantiene la fe y la esperanza cuando
uno convive con el dolor y el sufrimiento?.
Ottway es interpretado por Liam Neeson, quien siempre destaca por la
potencia dramática que otorga a sus personajes. Esta vez, se presenta
como un hombre que ha perdido toda la esperanza y se ha abandonado a un
camino sin sentido. Tan sólo una carta, el recuerdo de su mujer, es el
aliento que empuja al protagonista hacia delante, animándole en los
momentos de mayor amargura y desesperación a que “no tenga miedo”,
porque frente a una realidad fría y doliente, la muerte no es más que un
encuentro cálido y agradable. Aunque el protagonista encarna un
personaje carente de fe, se convierte en el sostén del resto de sus
compañeros, alentándoles con que, detrás de toda realidad y sufrimiento,
existe algo más rico e importante que hace al hombre ser quien es.
En su camino le acompañan un gran despliegue de personajes de
personalidades contrapuestas entre si carentes de profundidad. Sin
embargo, es la cámara la que se atreve a indagar en su psicología e
identidad utilizando planos que nos acerquen a sus ojos transmitiéndonos
lo que ha preferido no expresar con palabras, empobreciendo por tanto
el diálogo.
La pregunta clave de la película es ¿cuál de ellos va a sobrevivir y
quién no? Cada muerte que sucede le ocurre a cada personaje de una
manera peculiar, acorde con su personalidad. Sin embargo, la trama
esconde el coraje a aceptar cuando a uno le llega su hora, y que, detrás
de una situación desesperada que les mantiene cerca de la muerte,
existe algo que les identifica como hombres, las carteras que va
recogiendo el protagonista de cada uno de sus compañeros fallecidos,
que coincide con ser una relación con alguien a quien aman.
- EL GUERRERO PACIFICO
El guerrero pacífico es la adaptación cinematográfica del best seller de Dan Millman,
“El camino del guerrero pacifico”, obra autobiográfica con más de un
millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos, traducida a 21 idiomas y
avalada por autores de la talla de Sting, Eckhart Tolle o Deepak
Chopra.
Dan
Millman ganó el Campeonato Mundial de Trampolín en Londres cuando tenía
dieciocho años, consiguiendo así formar parte del equipo olímpico
estadounidense. Tras una inmejorable trayectoria, un accidente en moto
fracturó los huesos de su pierna derecha en cuarenta partes, esfumándose
así su sueño olímpico y su futuro como deportista de élite. El equipo
médico le diagnosticó unas secuelas motrices de por vida y su entrenador
asignó su puesto a otro deportista.
Dan
Millman confió en sí mismo y realizó el milagro de recuperarse de tan
severa lesión. Lo consiguió sólo… y en un año. Según relata, aquel
accidente le hizo plantearse por completo el propósito de su vida,
comprobando hasta qué punto había dado prioridad al espíritu
competitivo, convirtiéndose a sí mismo en su juez más severo y tiránico.
Tras la lesión, aprendió a aceptarse y a disfrutar de su persona en
aspectos que nada tenían que ver con sus capacidades atléticas.
En ese milagro tuvo mucho que ver la presencia de Sócrates (interpretado por el maestro Nick Nolte), un anciano que sirve
gasolina y que le enseña el valor de servir a los demás y la necesidad
de vivir para ello anclado en el presente (Del famoso filósofo es la
frase: "las verdaderas batallas se libran en el interior"). Sócrates le
enseña a saborear todos los aspectos de su vida por la vía de estar presente,
comenzando por las pequeñas acciones cotidianas, como mientras se come,
para poder apreciar el contraste de sabores y sensaciones en vez de
limitarse a tragar compulsivamente comida, como suele hacerse. Así, con
pequeños detalles aparentemente anodinos, la obra va dejando en su
recorrido algunas frases dignas de ser destacadas y meditadas:
- Las personas más difíciles de amar son las que más lo necesitan.
- Saca la basura de tu mente. Basura es todo aquel pensamiento que te distraiga de lo que realmente importa: estar presente plenamente en este momento, aquí, ahora.
- Morir no es triste; lo triste es que la gente no sepa vivir.
- No hay nada que perder.
- Morir no es triste; lo triste es que la gente no sepa vivir.
- No hay nada que perder.
- Es el camino el que da la felicidad, no el destino.
-La vida solo tiene tres reglas: paradoja, humor y cambio:
Paradoja: La vida es un misterio. No pierdas tiempo tratando de descifrarla.
Humor: Mantén el sentido del humor, especialmente sobre ti. Es una fortaleza sin medida.
Cambio: Nada permanece igual, no hay nada que perdure"
- MAKTUB
No se cumplen, en absoluto, los peores vaticinios, tratándose de una "opera prima" que aborda un tema tan delicado como el de los niños con cáncer y, muy al contrario, es una más que agradable sorpresa que aporta notorias dosis de sensibilidad a la cuestión y, lo que es más importante, lo hace desde una óptica a menudo de comedia y enriqueciéndola con otros aspectos también muy sugestivos. Que el director y guionista de esta cinta sea un novato, el que fuera cantante en los noventa Paco Arango, es un factor a resaltar y pone siempre de relieve la gran experiencia que adquirió, y que ha vertido en los fotogra mas, durante su etapa como responsable de la Fundación Aladina, que intenta aliviar los problemas de los pequeños con tan grave dolencia. Es más la película se basa en la propia experiencia de Andoni Hernández San José, el muchacho que incorpora, con una sorprendente naturalidad, a Antonio, el protagonista. A su alrededor se mueven numerosos personajes, configurando un relato coral, que están definidos con considerable precisión. Más que el consabido drama sobre un adolescente enfermo terminal, Maktub -palabra árabe que quiere decir "estaba escrito"-repara en las repercusiones que esta circunstancia opera en un adulto, Manolo, que atraviesa un momento muy delicado. Uno de los personajes de la película Maktub está inspirado precisamente en el caso real de Antonio González Valerón, un joven canario que padecía cáncer y que, sin embargo, era para todos un ejemplo de ilusión, sabiduría y ganas de vivir. Falleció en marzo de 2009, a los 16 años recién cumplidos, a causa de una infección, tras un implante de médula que había curado la leucemia que le diagnosticaron a los 13 años. El rap de la Fundación Aladina, Sonrisas que hacen magia, con música de Paco Arango, es parte de su legado. También me gustaría decir que detrás de esta película hay algo más: el primer medio millón de su recaudación está destinado a costear totalmente un Centro Infantil y Juvenil de Transplantes de Médula Ósea en el Hospital Niño Jesús de Madrid.
No se cumplen, en absoluto, los peores vaticinios, tratándose de una "opera prima" que aborda un tema tan delicado como el de los niños con cáncer y, muy al contrario, es una más que agradable sorpresa que aporta notorias dosis de sensibilidad a la cuestión y, lo que es más importante, lo hace desde una óptica a menudo de comedia y enriqueciéndola con otros aspectos también muy sugestivos. Que el director y guionista de esta cinta sea un novato, el que fuera cantante en los noventa Paco Arango, es un factor a resaltar y pone siempre de relieve la gran experiencia que adquirió, y que ha vertido en los fotogra mas, durante su etapa como responsable de la Fundación Aladina, que intenta aliviar los problemas de los pequeños con tan grave dolencia. Es más la película se basa en la propia experiencia de Andoni Hernández San José, el muchacho que incorpora, con una sorprendente naturalidad, a Antonio, el protagonista. A su alrededor se mueven numerosos personajes, configurando un relato coral, que están definidos con considerable precisión. Más que el consabido drama sobre un adolescente enfermo terminal, Maktub -palabra árabe que quiere decir "estaba escrito"-repara en las repercusiones que esta circunstancia opera en un adulto, Manolo, que atraviesa un momento muy delicado. Uno de los personajes de la película Maktub está inspirado precisamente en el caso real de Antonio González Valerón, un joven canario que padecía cáncer y que, sin embargo, era para todos un ejemplo de ilusión, sabiduría y ganas de vivir. Falleció en marzo de 2009, a los 16 años recién cumplidos, a causa de una infección, tras un implante de médula que había curado la leucemia que le diagnosticaron a los 13 años. El rap de la Fundación Aladina, Sonrisas que hacen magia, con música de Paco Arango, es parte de su legado. También me gustaría decir que detrás de esta película hay algo más: el primer medio millón de su recaudación está destinado a costear totalmente un Centro Infantil y Juvenil de Transplantes de Médula Ósea en el Hospital Niño Jesús de Madrid.
BREAKING AWAY(EL RELEVO) (1.979)
No recuerdo, cuantas veces la habré visto, cuando practicaba ciclismo. Tuvo 5 nominaciones a los oscar, incluyendo mejor película, y que ganó el de mejor guión original. Interesante film, no es muy original, pero seduce por su modestia sin pretensiones, nos habla sobre los momentos cruciales en la vida en los que tenemos que tomar decisiones que cambiaran nuestras vidas. Envuelta en una simple cinta de adolescentes, nos relata un verano de cuatro amigos en el que deben decidir qué rumbo tomar sus vidas, el protagonista, Dave (Dennis Christopher) es un apasionado de la bicicleta de carreras y un fanático proitaliano, se pasa el día chapurreándolo, los 4 amigos viven en Bloomington (Indiana), donde hay una Universidad en la que se realiza una gran carrera ciclista a la que se apuntan los amigos, carrera que representa para ellos el salto a la madurez, una señal de que las dificultades se pueden superar. Posee un guión, de Steve Tesich, es muy fresco, con diálogos ágiles y con situaciones brillantes, destacando la relación de Dave con su padre, un magnífico Paul Dooley. La música de Patrick Williams, muy presente, es otro gran acierto, ayudando a mantener el ritmo. El rodaje de la carrera final es espectacular, no en vano, el realizador británico Peter Yates, fue el que dirigió las portentosas persecuciones de "Bullit". Recomendable a los que deseen pasar un rato ameno con una cinta que cuenta cosas. Como anecdota decir que dos ciclistas profesionales aparecieron en la película, Johan Musseuw y Floyd Landis.
No recuerdo, cuantas veces la habré visto, cuando practicaba ciclismo. Tuvo 5 nominaciones a los oscar, incluyendo mejor película, y que ganó el de mejor guión original. Interesante film, no es muy original, pero seduce por su modestia sin pretensiones, nos habla sobre los momentos cruciales en la vida en los que tenemos que tomar decisiones que cambiaran nuestras vidas. Envuelta en una simple cinta de adolescentes, nos relata un verano de cuatro amigos en el que deben decidir qué rumbo tomar sus vidas, el protagonista, Dave (Dennis Christopher) es un apasionado de la bicicleta de carreras y un fanático proitaliano, se pasa el día chapurreándolo, los 4 amigos viven en Bloomington (Indiana), donde hay una Universidad en la que se realiza una gran carrera ciclista a la que se apuntan los amigos, carrera que representa para ellos el salto a la madurez, una señal de que las dificultades se pueden superar. Posee un guión, de Steve Tesich, es muy fresco, con diálogos ágiles y con situaciones brillantes, destacando la relación de Dave con su padre, un magnífico Paul Dooley. La música de Patrick Williams, muy presente, es otro gran acierto, ayudando a mantener el ritmo. El rodaje de la carrera final es espectacular, no en vano, el realizador británico Peter Yates, fue el que dirigió las portentosas persecuciones de "Bullit". Recomendable a los que deseen pasar un rato ameno con una cinta que cuenta cosas. Como anecdota decir que dos ciclistas profesionales aparecieron en la película, Johan Musseuw y Floyd Landis.
- MILLION DOLLAR BABY
¿Sabeis de esas películas que, una vez finalizada, dejan a uno sin palabras... de esas que no te puedes quitar de la cabeza... de esas que golpean directamente al corazón de uno? Es lo que personalmente me ha ocurrido con Million Dollar Baby.
¿Sabeis de esas películas que, una vez finalizada, dejan a uno sin palabras... de esas que no te puedes quitar de la cabeza... de esas que golpean directamente al corazón de uno? Es lo que personalmente me ha ocurrido con Million Dollar Baby.
Impresionante Obra Maestra dirigida brillantemente Clint Eastwood, con un guión soberbio de Paul Haggis, que adapta una novela de relatos cortos sobre boxeo escrito por F.X. Toole, y con tres actores espectaculares, el ganador del Oscar por este film Morgan Freeman (su mejor película junto a Seven, Cadena Perpetua, y Sin perdón), la ganadora del Oscar Hillary Swank (su mejor película junto con Boys don’t cry en la que también se llevó una estatuilla), y Clint Eastwood construyendo uno de sus mejores interpretaciones. Es una de las mejores películas jamás filmadas sobre boxeo, cocida a fuego lento, hecha con muy buen gusto, respirando clasicismo por todos sus poros, y llegando más allá con una inesperada vuelta de tuerca final, todo un puñetazo en la cara que el señor Eastwood nos asesta para dejar al espectador fuera de combate. No voy a contar nada sobre ella, porque bien merece que lo descubras por ti mismo. Ganadora de cuatro premios Oscar, incluyendo el de mejor película, mejor director y los citados anteriormente. De visión obligatoria.
- EL JOVEN BRUCE LEE
Esta película supone una obra maestra sobre la vida del genial Bruce
Lee, haciendo hincapié en su primera etapa en Hong Kong. La película
desarrolla aspectos de su vida desconocidos para el público en general
que nos hacen comprender sus películas posteriores.
En definitiva se nota que la mano de Robert Lee (su hermano) está detrás de esta película ya que esta basada en un libro de éste y totalmente autorizada por la familia. Posiblemente el aspecto en el que se haga menos hincapié es en el aspecto de las artes marciales, que seguro que se desarrollará en la esperada segunda parte. La historia está contada con todo lujo de detalles y perfectamente ambientada y es narrada por Robert Lee, dando a veces una sensación de documento. El protagonista encarna bastante decentemente al Bruce, aunque salvando las distancias. El final de la película nos presenta una serie de fotografía reales junto con fotogramas de la película, dándonos perfecta cuenta del gran despliegue en vestuarios y ambientación de la película. Yo, que suoy un apasionado de Bruce Lee hasta el punto de llegar a idolatrarlo, con la realización de este tipo de películas consiguen envolverme en una realidad distinta en la que Brus sigue vivo.
“Hay placer en los bosques sin caminos,
Hay éxtasis en las orillas solitarias,
Hay compañía donde nadie pisa,
Cerca del profundo mar y de su rugido musical;
No amo menos al hombre, sino más a la Naturaleza”. Lord Byron.
Me parece admirable ser capaz de plasmar tanta realidad en tan poco tiempo con tanto sentido del humor y tanto juego mental... tan mental que a veces tienes la sensación de que se te ha ido la pinza porque algunos de los giros mentales que presentan son tan rápidos y tan absurdos que te parece que te has perdido alguna parte de la película que debía enlazar una escena con la siguiente.
En definitiva se nota que la mano de Robert Lee (su hermano) está detrás de esta película ya que esta basada en un libro de éste y totalmente autorizada por la familia. Posiblemente el aspecto en el que se haga menos hincapié es en el aspecto de las artes marciales, que seguro que se desarrollará en la esperada segunda parte. La historia está contada con todo lujo de detalles y perfectamente ambientada y es narrada por Robert Lee, dando a veces una sensación de documento. El protagonista encarna bastante decentemente al Bruce, aunque salvando las distancias. El final de la película nos presenta una serie de fotografía reales junto con fotogramas de la película, dándonos perfecta cuenta del gran despliegue en vestuarios y ambientación de la película. Yo, que suoy un apasionado de Bruce Lee hasta el punto de llegar a idolatrarlo, con la realización de este tipo de películas consiguen envolverme en una realidad distinta en la que Brus sigue vivo.
- RETROCEDER NUNCA, RENDIRSE JAMÁS (1.986)
Esta cinta, quizás te parezca muy mala, seguramente tengas razón, fue una película de bajo presupuesto, en los años que se rodo Karate Kid o Rocky IV, no quería volver a verla, cuando se estrenó en España, yo practicaba karate, conseguí grabarla en VHS. Soñaba con convertirme en el protagonista, yo no entendía si había un guión bueno, si la escenas parecian reales, yo lo único que veía era a un joven chico que practicaba artes marciales y era fan de Bruce Lee, eramos idénticos, hasta teníamos el mismo poster en el cuarto. Ahora he vuelto a verla, el argumento y el doble de Bruce Lee son muy pobres, pero no puedo evitar emocionarme cuando recuerdo aquellos años. El protagonista de la película es Jason Stillwell es un apasionado admirador de Bruce Lee cuyo padre, instructor de Karate, resulta herido y humillado por el Crimen Organizado de la Costa Este. Negándose a entenderlo, Jason se avergüenza de su padre y decide practicar el karate esperando la hora de la venganza. Su amigo RJ le sugiere introducirse en determinado gimnasio, regentado por el campeón nacional de Full Contact... precisamente hermano de su ex-novia Kelly. Mal consejo, porque el hermano de Kelly y sus amigos (todos cinturones negros) le propinan una paliza de muerte. Desesperado, Jason visita la tumba de Bruce Lee y le suplica ayuda. Algunas noches más tarde, increíblemente, su deseo se hace realidad percibiendo que el espíritu de Bruce Lee está a su lado, inspirándole los secretos de sus artes marciales. Consciente de su poder, Jason se enfrenta finalmente al Crimen Organizado y a su invencible luchador: Iván el Terrible.
Esta cinta, quizás te parezca muy mala, seguramente tengas razón, fue una película de bajo presupuesto, en los años que se rodo Karate Kid o Rocky IV, no quería volver a verla, cuando se estrenó en España, yo practicaba karate, conseguí grabarla en VHS. Soñaba con convertirme en el protagonista, yo no entendía si había un guión bueno, si la escenas parecian reales, yo lo único que veía era a un joven chico que practicaba artes marciales y era fan de Bruce Lee, eramos idénticos, hasta teníamos el mismo poster en el cuarto. Ahora he vuelto a verla, el argumento y el doble de Bruce Lee son muy pobres, pero no puedo evitar emocionarme cuando recuerdo aquellos años. El protagonista de la película es Jason Stillwell es un apasionado admirador de Bruce Lee cuyo padre, instructor de Karate, resulta herido y humillado por el Crimen Organizado de la Costa Este. Negándose a entenderlo, Jason se avergüenza de su padre y decide practicar el karate esperando la hora de la venganza. Su amigo RJ le sugiere introducirse en determinado gimnasio, regentado por el campeón nacional de Full Contact... precisamente hermano de su ex-novia Kelly. Mal consejo, porque el hermano de Kelly y sus amigos (todos cinturones negros) le propinan una paliza de muerte. Desesperado, Jason visita la tumba de Bruce Lee y le suplica ayuda. Algunas noches más tarde, increíblemente, su deseo se hace realidad percibiendo que el espíritu de Bruce Lee está a su lado, inspirándole los secretos de sus artes marciales. Consciente de su poder, Jason se enfrenta finalmente al Crimen Organizado y a su invencible luchador: Iván el Terrible.
- UN DOMINGO CUALQUIERA.
En 1999 Oliver Stone realizó una de sus mejores películas, siempre desde mi punto de vista, mostrando con crudeza y pasión el mundo del deporte profesional en el film "Un Domingo Cualquiera". Con el trasfondo de un equipo profesional de fútbol americano, Stone desgrana poco a poco los grandes enemigos que pervierten los valores del deporte hasta convertirlo en un sucio negocio.
Nunca olvidaré el discurso que Tony D'Amato (Al Pacino) da a sus hombres antes del choque:
"La verdad es que no sé qué decir. Quedan tres minutos para la batalla más grande de nuestra vida profesional. Todo se reduce a hoy. O bien nos rehacemos como equipo o nos desmoronamos. Centímetro a centímetro, jugada a jugada, hasta que estemos acabados. Estamos en el infierno, caballeros. Creedme. Y podemos quedarnos aquí y que nos den una puta paliza, o bien podemos luchar y abrirnos paso de nuevo hacia la luz. Podemos salir del infierno centímetro a centímetro. Yo no puedo hacerlo por vosotros. Soy demasiado viejo. Miro a mi alrededor, veo estos rostros jóvenes y pienso. Quiero decir… He tomado casi todas las decisiones equivocadas que un hombre de mediana edad puede tomar. Yo, eh… Me pulí todo mi dinero, lo creáis o no. Di la espalda a todo aquél que me amó alguna vez. Y últimamente no puedo ni mirarme al espejo.
¿Sabéis? Cuando te haces viejo te lo quitan todo. Es parte de la vida. Pero sólo aprendes en el momento en que empiezas a perder cosas. Descubres que la vida es un juego que se mide en centímetros. También lo es el fútbol. Porque en cada partido, en la vida o en el fútbol, el margen de error es tan estrecho. Quiero decir… medio paso demasiado tarde o muy pronto y no llegarás; medio segundo demasiado lento o muy rápido y no lo atraparás. Los centímetros que necesitamos están por todas partes. Están en cada descanso del partido, en cada minuto, en cada segundo.
En este equipo luchamos por ese centímetro. En este equipo nos dejamos la piel y destrozamos a todo el mundo a nuestro alrededor por ese centímetro. Arañamos con nuestras uñas por ese centímetro. Porque sabemos que sumando todos esos centímetros vamos a marcar la puta diferencia entre GANAR o PERDER, entre VIVIR o MORIR.
Escuchad lo que os digo: en cualquier batalla es el tío que esté dispuesto a morir el que va a ganar ese centímetro. Y sé que si voy a vivir un poco más es porque conservo la voluntad de luchar y morir por ese centímetro, porque VIVIR es eso. Los seis centímetros que tienes delante.
Yo no puedo obligaros a hacerlo. Tenéis que mirar al tipo que tenéis a vuestro lado. Miradle a los ojos. Veréis a alguien que recorrerá ese centímetro con vosotros. Veréis a alguien que se sacrificará por este equipo porque sabe que, llegada la hora, vosotros haréis lo mismo por él.
Eso es un equipo, caballeros. O bien nos rehacemos ahora, como un equipo, o nos desmoronamos como individuos. Eso es el fútbol, chicos. Nada más. Decidme, ¿qué váis a hacer?"
En 1999 Oliver Stone realizó una de sus mejores películas, siempre desde mi punto de vista, mostrando con crudeza y pasión el mundo del deporte profesional en el film "Un Domingo Cualquiera". Con el trasfondo de un equipo profesional de fútbol americano, Stone desgrana poco a poco los grandes enemigos que pervierten los valores del deporte hasta convertirlo en un sucio negocio.
Nunca olvidaré el discurso que Tony D'Amato (Al Pacino) da a sus hombres antes del choque:
"La verdad es que no sé qué decir. Quedan tres minutos para la batalla más grande de nuestra vida profesional. Todo se reduce a hoy. O bien nos rehacemos como equipo o nos desmoronamos. Centímetro a centímetro, jugada a jugada, hasta que estemos acabados. Estamos en el infierno, caballeros. Creedme. Y podemos quedarnos aquí y que nos den una puta paliza, o bien podemos luchar y abrirnos paso de nuevo hacia la luz. Podemos salir del infierno centímetro a centímetro. Yo no puedo hacerlo por vosotros. Soy demasiado viejo. Miro a mi alrededor, veo estos rostros jóvenes y pienso. Quiero decir… He tomado casi todas las decisiones equivocadas que un hombre de mediana edad puede tomar. Yo, eh… Me pulí todo mi dinero, lo creáis o no. Di la espalda a todo aquél que me amó alguna vez. Y últimamente no puedo ni mirarme al espejo.
¿Sabéis? Cuando te haces viejo te lo quitan todo. Es parte de la vida. Pero sólo aprendes en el momento en que empiezas a perder cosas. Descubres que la vida es un juego que se mide en centímetros. También lo es el fútbol. Porque en cada partido, en la vida o en el fútbol, el margen de error es tan estrecho. Quiero decir… medio paso demasiado tarde o muy pronto y no llegarás; medio segundo demasiado lento o muy rápido y no lo atraparás. Los centímetros que necesitamos están por todas partes. Están en cada descanso del partido, en cada minuto, en cada segundo.
En este equipo luchamos por ese centímetro. En este equipo nos dejamos la piel y destrozamos a todo el mundo a nuestro alrededor por ese centímetro. Arañamos con nuestras uñas por ese centímetro. Porque sabemos que sumando todos esos centímetros vamos a marcar la puta diferencia entre GANAR o PERDER, entre VIVIR o MORIR.
Escuchad lo que os digo: en cualquier batalla es el tío que esté dispuesto a morir el que va a ganar ese centímetro. Y sé que si voy a vivir un poco más es porque conservo la voluntad de luchar y morir por ese centímetro, porque VIVIR es eso. Los seis centímetros que tienes delante.
Yo no puedo obligaros a hacerlo. Tenéis que mirar al tipo que tenéis a vuestro lado. Miradle a los ojos. Veréis a alguien que recorrerá ese centímetro con vosotros. Veréis a alguien que se sacrificará por este equipo porque sabe que, llegada la hora, vosotros haréis lo mismo por él.
Eso es un equipo, caballeros. O bien nos rehacemos ahora, como un equipo, o nos desmoronamos como individuos. Eso es el fútbol, chicos. Nada más. Decidme, ¿qué váis a hacer?"
- HACIA RUTAS SALVAJES.
Quizás esta película levantara en mí, sensaciones de desasosiego, de fuerte afinidad o de ímpetu por la aventura. La he visto varias veces. Cuando estoy tenso, preocupado, triste o perdido, saco dos horas de donde sea para ver esta película. Me reconcilia con el mundo, pero sobre todo me reconcilia conmigo mismo. Un maravilloso e impactante viaje a través de las emociones, los pensamientos, las relaciones y las ilusiones. Un joven idealista de fuertes valores morales decide emprender un viaje hacia Alaska para vivir de la Naturaleza y buscarse así mismo.
Quizás esta película levantara en mí, sensaciones de desasosiego, de fuerte afinidad o de ímpetu por la aventura. La he visto varias veces. Cuando estoy tenso, preocupado, triste o perdido, saco dos horas de donde sea para ver esta película. Me reconcilia con el mundo, pero sobre todo me reconcilia conmigo mismo. Un maravilloso e impactante viaje a través de las emociones, los pensamientos, las relaciones y las ilusiones. Un joven idealista de fuertes valores morales decide emprender un viaje hacia Alaska para vivir de la Naturaleza y buscarse así mismo.
“Hay placer en los bosques sin caminos,
Hay éxtasis en las orillas solitarias,
Hay compañía donde nadie pisa,
Cerca del profundo mar y de su rugido musical;
No amo menos al hombre, sino más a la Naturaleza”. Lord Byron.
Así comienza Hacia rutas salvajes.
Al graduarse en la universidad, Christopher McCandless, un joven de 22 años al que todos auguran un brillante futuro, decide dejar atrás su cómoda vida en busca de aventuras. El periplo del joven trotamundos le convirtió en un símbolo para muchas personas. ¿Fue Christopher McCandless un heroico aventurero o un idealista ingenuo, un Thoreau rebelde de los noventa u otro americano perdido, un temerario o una trágica figura que vivió en el precario equilibrio existente entre el hombre y la naturaleza? Cada paso de su viaje está reflejado en la adaptación que realiza Sean Penn del aclamado superventas de Jon Krakauer, "Hacia rutas salvajes", que habla de la insaciable añoranza de la familia, el hogar y los amigos, y de la búsqueda de la verdad y la felicidad...
La banda sonora es espectacular, con la voz grave de Eddie Vedder dándole un buen peso a la película.
Al graduarse en la universidad, Christopher McCandless, un joven de 22 años al que todos auguran un brillante futuro, decide dejar atrás su cómoda vida en busca de aventuras. El periplo del joven trotamundos le convirtió en un símbolo para muchas personas. ¿Fue Christopher McCandless un heroico aventurero o un idealista ingenuo, un Thoreau rebelde de los noventa u otro americano perdido, un temerario o una trágica figura que vivió en el precario equilibrio existente entre el hombre y la naturaleza? Cada paso de su viaje está reflejado en la adaptación que realiza Sean Penn del aclamado superventas de Jon Krakauer, "Hacia rutas salvajes", que habla de la insaciable añoranza de la familia, el hogar y los amigos, y de la búsqueda de la verdad y la felicidad...
La banda sonora es espectacular, con la voz grave de Eddie Vedder dándole un buen peso a la película.
- AMANECE QUE NO ES POCO (1988)
Absurda como lo es muchas veces la vida misma... pero además te hace sonreír y reír, reírte de ti mismo cuando alguna de las escenas surrealistas que contemplas te recuerdan algunas de esas escenas que todos vivimos de vez en cuando, aprender a hacer autocrítica y a reírte de ti mismo cuando oyes lo que dice de la iglesia el cura, o de la guardia civil el del tricornio... Por supuesto, es necesario conocer la realidad que vivimos, y en esta película la ponen de manifiesto en cada segundo, pero también es importante saber contar esa realidad desde la sonrisa.Me parece admirable ser capaz de plasmar tanta realidad en tan poco tiempo con tanto sentido del humor y tanto juego mental... tan mental que a veces tienes la sensación de que se te ha ido la pinza porque algunos de los giros mentales que presentan son tan rápidos y tan absurdos que te parece que te has perdido alguna parte de la película que debía enlazar una escena con la siguiente.
- CADENA DE FAVORES (2000)
Todo ser humano cuenta con guías espirituales y con maestros terrenales. Es ésta una ayuda excelsa de la que podemos valernos para avanzar en nuestro camino. Creer en ellos o no, es decisión tuya. Atender a sus consejos y a su gran experiencia, es tu potestad. Pero, de lo que no puedes quejarte nunca, es de que has estado solo, porque jamás, óyelo bien, has estado ni estarás solo.
Adaptación a la gran pantalla de la novela de Catherine Ryan Hyde que plantea una de las ideas más simples y más hermosas que puede tener un ser humano: ayudar sin esperar nada a cambio.
En una fría noche, el reportero Chris Chandler, está cubriendo un hecho policial en el cual su auto resulta sorpresivamente arruinado. Cuando todo parece haber terminado y él se hunde en la más profunda desolación, llega un sorprendente personaje que lo saca del conflicto y lo convierte en eslabón de una significativa experiencia existencial que le dará otro rumbo a su tarea periodística.
Una toma retrospectiva, nos remite entonces al origen de esta curiosa y relevante cadena, y así conocemos a Eugene Simonet, un traumatizado, pero brillante profesor quien tiene muy claro que “el reino de la posibilidad está en cada uno de nosotros” y que “ésta puede usarse o dejar que se adormezca”.
Y con él, surge Trevor, un chico de 11 años - hijo de una joven separada, alcohólica y empleada de un club nocturno - quien resulta motivado por la tarea que le pone su lúcido maestro y, desde entonces, sus propias vidas comienzan a cambiar, al tiempo que cambia el rumbo de muchas otras vidas que, por ley de resonancia, se cruzan en sus caminos. Se hace reivindicación, entonces, de cosas como el desapego, el servicio, la trascendencia, la búsqueda interior, el perdón, la reconciliación… y la película adquiere un hondo significado y un indudable valor social.
La directora Mimi Leder, la misma de “El Pacificador” y “Deep Impact”, da vida a unos personajes sencillos e inconscientes de su gran valor, pero los cuales van develando, gradualmente, una fuerza interior y una sensibilidad que podrían ser ejemplo para cualquier ser humano.
El romance entre Arlene y Eugene (interpretados con fuerza y eficacia por Kevin Spacey y Helen Hunt), nos habla del amor verdadero, de aquel que trasciende la epidermis porque, lo único que busca, es un espíritu fuerte con el cual avanzar hacia el autodescubrimiento y con el que, quizás, se pueda dar una pincelada a las paredes del universo.
Sin efectos especiales, ni ostentaciones técnicas, “Cadena de Favores” es una historia sencilla, pero entusiasta y humana, que deja una huella indeleble en nuestros corazones y nos invita a hacer parte de aquella lúcida propuesta que ha cambiado la vida a tantos seres olvidados. Es éste un camino para seguir, y recorrerlo juntos, es la mejor de las decisiones porque, sólo juntos, podremos hallar un día la puerta grande, aquella que conduce al triunfo de la Unicidad.
BRAVEHEART (1995)
Todo ser humano cuenta con guías espirituales y con maestros terrenales. Es ésta una ayuda excelsa de la que podemos valernos para avanzar en nuestro camino. Creer en ellos o no, es decisión tuya. Atender a sus consejos y a su gran experiencia, es tu potestad. Pero, de lo que no puedes quejarte nunca, es de que has estado solo, porque jamás, óyelo bien, has estado ni estarás solo.
Adaptación a la gran pantalla de la novela de Catherine Ryan Hyde que plantea una de las ideas más simples y más hermosas que puede tener un ser humano: ayudar sin esperar nada a cambio.
En una fría noche, el reportero Chris Chandler, está cubriendo un hecho policial en el cual su auto resulta sorpresivamente arruinado. Cuando todo parece haber terminado y él se hunde en la más profunda desolación, llega un sorprendente personaje que lo saca del conflicto y lo convierte en eslabón de una significativa experiencia existencial que le dará otro rumbo a su tarea periodística.
Una toma retrospectiva, nos remite entonces al origen de esta curiosa y relevante cadena, y así conocemos a Eugene Simonet, un traumatizado, pero brillante profesor quien tiene muy claro que “el reino de la posibilidad está en cada uno de nosotros” y que “ésta puede usarse o dejar que se adormezca”.
Y con él, surge Trevor, un chico de 11 años - hijo de una joven separada, alcohólica y empleada de un club nocturno - quien resulta motivado por la tarea que le pone su lúcido maestro y, desde entonces, sus propias vidas comienzan a cambiar, al tiempo que cambia el rumbo de muchas otras vidas que, por ley de resonancia, se cruzan en sus caminos. Se hace reivindicación, entonces, de cosas como el desapego, el servicio, la trascendencia, la búsqueda interior, el perdón, la reconciliación… y la película adquiere un hondo significado y un indudable valor social.
La directora Mimi Leder, la misma de “El Pacificador” y “Deep Impact”, da vida a unos personajes sencillos e inconscientes de su gran valor, pero los cuales van develando, gradualmente, una fuerza interior y una sensibilidad que podrían ser ejemplo para cualquier ser humano.
El romance entre Arlene y Eugene (interpretados con fuerza y eficacia por Kevin Spacey y Helen Hunt), nos habla del amor verdadero, de aquel que trasciende la epidermis porque, lo único que busca, es un espíritu fuerte con el cual avanzar hacia el autodescubrimiento y con el que, quizás, se pueda dar una pincelada a las paredes del universo.
Sin efectos especiales, ni ostentaciones técnicas, “Cadena de Favores” es una historia sencilla, pero entusiasta y humana, que deja una huella indeleble en nuestros corazones y nos invita a hacer parte de aquella lúcida propuesta que ha cambiado la vida a tantos seres olvidados. Es éste un camino para seguir, y recorrerlo juntos, es la mejor de las decisiones porque, sólo juntos, podremos hallar un día la puerta grande, aquella que conduce al triunfo de la Unicidad.
Y debía escribir algún día sobre este largometraje. Era una obligación, porque desde que la viera con unos 14 años de edad en televisión ha constituido una de mis preferidas (acaso la que más), una de las que más me ha marcado (acaso la que más). Todo ello teniendo en cuenta que Braveheart no es una película de profundo rigor histórico (además, no persigue eso) ni un largometraje con ínfulas de documental o una enciclopedia histórica fotograma a fotograma. No. Contiene un buen número de fallos, y no es perfecta, pero son tantos los aspectos positivos de la película, son tantas las virtudes y ha dejado tan profunda huella en una gran cantidad de gente, que debemos perdonárselo todo a Mel Gibson, director, productor y protagonista de Braveheart. Cabe preguntarse si su impronta en mí sería la misma si la viera por primera vez a mis 29 años; es más, probablemente Braveheart vaya perdiendo visionado a visionado (aunque de momento tras un buen número de veces no ha decaído un ápice, y es más, siempre que la veo, disfruto igual), pero eso no importa. Me marcó de niño y me sigue marcando ahora, como ha habido otras películas que me sorprendieron de niño, u otras vistas en la niñez y revisionadas con más interés años después.
William Wallace fue un líder escocés, que luchó por la independencia de Escocia a finales del siglo XIII. Hay poca información sobre sus primeros años y su juventud, pero sea como fuere es todo un héroe nacional, y su lucha contra los ingleses es algo así como un nacionalismo frente a otro nacionalismo.
Tomando este personaje como punto de partida, y reservándose el papel
principal, Gibson emprende un drama histórico y épico con reminiscencias
al gran ‘Espartaco’ de Stanley Kubrick (sin duda, la
mejor y más hermosa de todas las filmadas por el director neoyorquino), y
con una recreación de época de primer orden.
Puede tener aspectos cuestionables, pero la previa de la batalla de
Stirling, cuando llegan sus jinetes y se dispone a animar a las tropas
con su discurso, desprende una emoción épica como pocas veces he visto
yo en una pantalla de cine. Y la batalla, en sí misma, es un esfuerzo
visual enorme, que deja, en su
mayor parte, con la boca abierta por la potencia y dinamismo de sus
imágenes.
Me despido con esta legendria frase:
“Luchad, y puede que muráis. Huid y viviréis… un tiempo al menos. Y cuando estéis en vuestro lecho de muerte dentro de muchos años, ¿no cambiaréis todos los días desde aquí hasta entonces por una oportunidad, sólo una oportunidad, de volver aquí y decir a nuestros enemigos: Pueden quitarnos la vida, pero jamás nos quitarán… ¡¡La libertad!!”. William Wallace
Una Obra cinematográfica con la que crecí, viéndola a través de los años es cuando uno se da cuenta de que Rambo no es únicamente una película de acción sin más, es mucho más.
Lamentablemente ha sido John Rambo un personaje maltratado tanto fuera, como dentro de la pantalla y me explico. Fuera de la pantalla, creo decir sin equivocarme que ha sido el personaje más ridiculizado en la historia del cine, consiguiendo a mi entender que la nueva generación de espectadores que no conocen el film, dejen de verla por la forma irrespetuosa de tratarla. Y por otro lado en la pantalla...John Rambo en el ejército era un boina verde, un excelente soldado...una máquina creada para matar...por su país. No hablamos de un asesino a sueldo, ni de un psicópata hasta las cejas de droga. Hablamos de lo que supuestamente sería el orgullo de cualquier patriota, un hombre dispuesto a dar su propia vida por los suyos.
De repente cambia su estado de militar a civil...y comienzan los problemas. Aquellos mismos que te despidieron antes de subir al avión con destino a Vietnam, en medio de confettis, aplausos, vítores y música...te dan la espalda de forma hipócrita. Cambian las palabras: héroes por asesinos de mujeres y niños. Con este nuevo panorama tendrá que convivir este ex-soldado por el resto de su vida.
Acostumbrado a manejar millones de dólares en equipos militares altamente cualificados, se encuentra de regreso en un país que creía suyo...pero que lo trata como a un extraño, incluso tiene enormes dificultades para trabajar como un simple limpiacoches. Si a esto sumamos todos los problemas mentales y miedos, resultantes de las desagradables experiencias vividas en combate, en peliculas anteriores, estaremos preparados para entender a este magnífico personaje y disfrutar de esta gran película.
Una película de acción como a mí me gusta, osea, donde los personajes estén bien desarrollados, se nos relata con todo detalle como es Rambo, de donde viene y como es su forma de actuar. Los secundarios cumplen a la perfección, Richard Crenna pasará a la historia por su papel del coronel Trauman. Y Brian Dennehy está soberbio en esa perfecta interpretación de poli obsesionado con John Rambo. El guión aunque no muy original, es realmente fantástico, envolviéndonos con un ritmo fresco y trepidante a través de la historia, la acción es pura de verdad y bastante creíble, con excepciones varias por supuesto. No se abusa de los efectos especiales para engañar al espectador y crear algo visualmente efectista. Y para engrandecer el final, esa sincera confesión de Rambo a Truman, debido a su nueva situación. John va en busca del último soldado vivo de su grupo, con una ilución terrible...y se entera que ha muerto. Es tanta su desilución...que no se queda ni con la fotografía de recuerdo...se la entrega a su madre. Los 15 primeros minutos son de lo mejor en la historia del cine.
Es digno de reconocimiento la dirección de Ted Kotcheff, quien sorprende con una película llena de emocionantes escenas de acción y logrados efectos visuales para la época. No se queda atrás Jerry Goldsmith, quien a partir de un tema central que ya es un clásico nos presenta a John Rambo, nos brinda una banda sonora clásica que acompaña perfectamente a la protagonista secundaria del filme: la acción. Elaborada y compleja que contrasta con el mismo personaje que actúa con impulsos simples como son los instintos y la destreza del entrenamiento.
De repente cambia su estado de militar a civil...y comienzan los problemas. Aquellos mismos que te despidieron antes de subir al avión con destino a Vietnam, en medio de confettis, aplausos, vítores y música...te dan la espalda de forma hipócrita. Cambian las palabras: héroes por asesinos de mujeres y niños. Con este nuevo panorama tendrá que convivir este ex-soldado por el resto de su vida.
Acostumbrado a manejar millones de dólares en equipos militares altamente cualificados, se encuentra de regreso en un país que creía suyo...pero que lo trata como a un extraño, incluso tiene enormes dificultades para trabajar como un simple limpiacoches. Si a esto sumamos todos los problemas mentales y miedos, resultantes de las desagradables experiencias vividas en combate, en peliculas anteriores, estaremos preparados para entender a este magnífico personaje y disfrutar de esta gran película.
Una película de acción como a mí me gusta, osea, donde los personajes estén bien desarrollados, se nos relata con todo detalle como es Rambo, de donde viene y como es su forma de actuar. Los secundarios cumplen a la perfección, Richard Crenna pasará a la historia por su papel del coronel Trauman. Y Brian Dennehy está soberbio en esa perfecta interpretación de poli obsesionado con John Rambo. El guión aunque no muy original, es realmente fantástico, envolviéndonos con un ritmo fresco y trepidante a través de la historia, la acción es pura de verdad y bastante creíble, con excepciones varias por supuesto. No se abusa de los efectos especiales para engañar al espectador y crear algo visualmente efectista. Y para engrandecer el final, esa sincera confesión de Rambo a Truman, debido a su nueva situación. John va en busca del último soldado vivo de su grupo, con una ilución terrible...y se entera que ha muerto. Es tanta su desilución...que no se queda ni con la fotografía de recuerdo...se la entrega a su madre. Los 15 primeros minutos son de lo mejor en la historia del cine.
Es digno de reconocimiento la dirección de Ted Kotcheff, quien sorprende con una película llena de emocionantes escenas de acción y logrados efectos visuales para la época. No se queda atrás Jerry Goldsmith, quien a partir de un tema central que ya es un clásico nos presenta a John Rambo, nos brinda una banda sonora clásica que acompaña perfectamente a la protagonista secundaria del filme: la acción. Elaborada y compleja que contrasta con el mismo personaje que actúa con impulsos simples como son los instintos y la destreza del entrenamiento.
EL LADO BUENO DE LAS COSAS.
David O.
Russell es consciente de que corretea en ese mundo de ceremoniales y
etiquetas en el que tendrá que pasar por sendas vistas hasta la saciedad
y lugares comunes del subgénero sensiblero. Conoce de antemano que
tendrá que finalizar su película con un beso y un travelling circular,
que deberá tensionar la narración con un anticlímax para hacer palpitar
más fuerte nuestros corazones, que estará obligado a endulzar una
historia cruda y con los condimentos que proporcionan la superlativa
química entre los esplendidos y sobresalientes Bradley Cooper y Jennifer
Lawrence.
El director no esconde nada y se lanza al abrazo de una peculiar ‘show movie’ apartándose en ciertos momentos y alejándose a velocidad luz con su cámara para evitar la recreación y la falsedad. De hecho, el filme nos cuenta la necesidad de ser cómplice de las mentiras de otros para ser feliz. También su discurso traza la obligación de tener ‘un final feliz’ contraponiendo elementos en el guión. En ese resquicio de esperanza en un mundo asqueroso y falta de humanidad decide navegar O. Russell a través de sus errantes personajes, náufragos de un mundo que les ha apartado a una isla emocional perdida.
Tendremos la cena romántica menos romántica de la comedia romántica, sexo y pasiones orales con dos de los intérpretes más sexys del panorama internacional que hacen creíbles y humanos sus papeles, persecuciones y escapes en plena calzada y una curiosa puesta en escena desde la transformación de los personajes en sus prendas de vestir hasta una fotografía enmarcada del bipolar protagonista por los suelos. Pero, aparte de la perfecta encarnación de un puñado de excelentes secundarios y un brillante De Niro, el filme realiza paralelismos entre las salas comunes de los psiquiátricos y los salones familiares norteamericanos. Como si los propios espectadores nos convirtiéramos en pacientes de una terapia de grupo hecha película.
Tal vez una pizca de locura, etiquetada como ‘sana’ por la sociedad como el fanatismo deportivo, sea la resolución para plantar cara a un mundo loco y caer en la mentira y el amor la mayor de las medicinas. O. Russell nos vende la farsa como terapia en una fábula y alegoría de los tiempos que vivimos donde el truco es el propio público: juez y verdugo de su propia locura y cómplice de la mentira que se proyecta delante de sus ojos.
El director no esconde nada y se lanza al abrazo de una peculiar ‘show movie’ apartándose en ciertos momentos y alejándose a velocidad luz con su cámara para evitar la recreación y la falsedad. De hecho, el filme nos cuenta la necesidad de ser cómplice de las mentiras de otros para ser feliz. También su discurso traza la obligación de tener ‘un final feliz’ contraponiendo elementos en el guión. En ese resquicio de esperanza en un mundo asqueroso y falta de humanidad decide navegar O. Russell a través de sus errantes personajes, náufragos de un mundo que les ha apartado a una isla emocional perdida.
Tendremos la cena romántica menos romántica de la comedia romántica, sexo y pasiones orales con dos de los intérpretes más sexys del panorama internacional que hacen creíbles y humanos sus papeles, persecuciones y escapes en plena calzada y una curiosa puesta en escena desde la transformación de los personajes en sus prendas de vestir hasta una fotografía enmarcada del bipolar protagonista por los suelos. Pero, aparte de la perfecta encarnación de un puñado de excelentes secundarios y un brillante De Niro, el filme realiza paralelismos entre las salas comunes de los psiquiátricos y los salones familiares norteamericanos. Como si los propios espectadores nos convirtiéramos en pacientes de una terapia de grupo hecha película.
Tal vez una pizca de locura, etiquetada como ‘sana’ por la sociedad como el fanatismo deportivo, sea la resolución para plantar cara a un mundo loco y caer en la mentira y el amor la mayor de las medicinas. O. Russell nos vende la farsa como terapia en una fábula y alegoría de los tiempos que vivimos donde el truco es el propio público: juez y verdugo de su propia locura y cómplice de la mentira que se proyecta delante de sus ojos.
PERSIGUIENDO A MAVERICKS (2012)
A veces la realidad copia a la ficción, o eso debieron pensar Curtís
Hanson y Michael Apted cuando se encargaron de dirigir este encubierto
remake de Karate kid. Cambiemos el Karate por el surf manteniendo el
leif motiv de Daniel SAm, total, ambas son una especie de filosofía para
sus adeptos...Todo lo demás; pues igual; chico pardillo enamorado de
chica que no le corresponde como el quisiera ninguneado por los
chuletas del barrio proveniente de ambiente monoparental que encuentra
en su mentor/maestro la luz que guíe sus pasos hacia la madurez. A
excepción del final, nos encontramos con un calco de nuestra querida
Karate Kid pero pasada por agua, lo cual no es necesariamente malo...
El film se basa en la historia real de Jay Moriarity (1978-2001), un
joven que se convirtió rápidamente en un respetado surfista ("surf"),
que consiste en deslizarse sobre una ola en una tabla y de pie. Jay Moriarity tenía el deseo de llegar lo más lejos posible en el
deporte del "surf", así que comenzó a acariciar la idea de ir por algo
más grande, desafiar las olas más peligrosas del mundo, las "Mavericks".
El "surf" está considerado como un deporte de alto riesgo.
Aunque el film es bastante atractivo, por las tomas de las impresionantes olas, contar en el reparto con estrellas conocidas como Gerard Butler "300"-2006 y Elisabeth Shue "Leaving Las Vegas"-1995), por cierto hacia de novia de Daniel en karate kid y tener la participación de conocidos surfistas, no terminó de ser una gran película.
Aunque el film es bastante atractivo, por las tomas de las impresionantes olas, contar en el reparto con estrellas conocidas como Gerard Butler "300"-2006 y Elisabeth Shue "Leaving Las Vegas"-1995), por cierto hacia de novia de Daniel en karate kid y tener la participación de conocidos surfistas, no terminó de ser una gran película.
EL ÚLTIMO SAMURAI (2003)
Es cierto que la película tiene imperfecciones, básicamente hasta que
Cruise llega a Japón (es cierto que aquí está tan exagerado e
histriónico como casi siempre), y ese final con el Emperador, que si
bien es capaz de tocar la fibra de cualquier persona que no tenga
horchata en las venas, es un poco absurdo, y desentona bastante. También es verdad que no es un derroche de originalidad y que las
similitudes con 'Bailando con Lobos' son más que evidentes, y que
glorifica falsariamente un mundo (el de los Samurais) que no estaba
poblado precisamente de angelitos pero... ¿Y qué más da? Y es que cuando
en una película tienes la mejor banda sonora de la década (de un
inspiradísimo Hans Zimmer), alguna escena que es puro arte
cinematográfico y una ambientación, vestuario, fotografía, actuaciones, y
emotividad apabullante, todo lo anterior queda relegado a un muy
segundo plano.
Cruise y Watanabe (especialmente este último, al que por cierto le birlaron el Oscar de forma totalmente inmerecida, por cierto) están colosales. Todos los secundarios están estupendos y Koyuki (Taka) merece un capítulo aparte. ¿Alguien puede resistirse a los encantos de esta Venus nipona? ¿Se puede expresar mejor sin palabras unos sentimientos, una moral, y unos valores tan profundos? Porque ella es la verdadera Samurai, la que ejemplifica la cosmovisión de este mundo en decadencia.
Cruise y Watanabe (especialmente este último, al que por cierto le birlaron el Oscar de forma totalmente inmerecida, por cierto) están colosales. Todos los secundarios están estupendos y Koyuki (Taka) merece un capítulo aparte. ¿Alguien puede resistirse a los encantos de esta Venus nipona? ¿Se puede expresar mejor sin palabras unos sentimientos, una moral, y unos valores tan profundos? Porque ella es la verdadera Samurai, la que ejemplifica la cosmovisión de este mundo en decadencia.
Siempre habrá una oportunidad, en el algún lugar, de recatar nuestra
alma perdida, enferma. Y esos viejos fantasmas que nos siguen, dejarlos
ir. El algún lugar, en algún momento; y que mejor un lugar tan espiritual
como el lejano Japón. Así, vemos que el capitán Algren (Tom Cruise), al
fin encontró el remanso para recuperarse de tantas batallas “perdidas”.
Hacia allá vamos, hacia ese hermoso lugar donde vamos a estar bien, y
donde nos esperan gentes que nos aman…
NANGA PARBAT (2010)
"Nanga Parbat" ("Montaña desnuda", "Shal Mukhi": "Cien Caras") es el
nombre de la novena montaña más alta del planeta y la más occidental del
Himalaya. El film narra la travesía de los hermanos Messner
(alpinistas) y la expedición alemana en el ascenso de dicho pico. Se
había convertido en una cuestión de orgullo personal y obsesión alemana
escalarla, llamada por ellos "nuestra montaña", ya que habían fracasado
en siete ocasiones dejando en ella a varios alpinistas (31), lo que la
hizo conocerse como la "montaña asesina". Reinholf Messner decidió escalarla por su vertiente Rupal, la más
difícil, ya que con 4500m es la pared vertical más larga del mundo.
En el film veremos la dificultad de la hazaña, las envídias y egos por parte de varios alpinistas, conflictos con el líder de la expedición, y sobre todo su supervivencia. Una película alemana, que está bien hecha, con una buena fotografía y correctas actuaciones. Falla en el rítmo en algunos momentos, en la conjunción de la música (en sus inicios no pega) y sobre todo en su prepotencia y orgullo. Se echa de menos algo más de la personalidad de Reinhold y detalles técnicos de escalada. Aún así creo que cumple con creces y no defrauda.
En el film veremos la dificultad de la hazaña, las envídias y egos por parte de varios alpinistas, conflictos con el líder de la expedición, y sobre todo su supervivencia. Una película alemana, que está bien hecha, con una buena fotografía y correctas actuaciones. Falla en el rítmo en algunos momentos, en la conjunción de la música (en sus inicios no pega) y sobre todo en su prepotencia y orgullo. Se echa de menos algo más de la personalidad de Reinhold y detalles técnicos de escalada. Aún así creo que cumple con creces y no defrauda.
R. Messner proviene del Tirol del sur (Italia, aunque de habla alemán),
por eso me ha extrañado tanto orgullo con él y nunca se deja claro "su
procedencia o sentir" en el film. Reinhold Messner es conocido en la cultura alpinista como el mejor de
todos los tiempos, es el primero en subir los 14 ochomiles sin oxígeno,
al igual, en ser el primero en escalar el Everest en solitario.
AMERICAN HISTORY X (1998)
Y no es ningún tipo de favoritismo el que me hace presentaros al actor protagonista por encima de todo lo demás, no; me parece que las razones para hacerlo son lo suficientemente obvias, ya que en mi opinión, esta vez es una de esas ocasiones en la que un actor hace subir varios peldaños a la cinta que protagoniza. En este caso, el trabajo del norteamericano que más tarde actuara en películas como El Club de la Lucha, o El Ilusionista, así como en otras cintas de menos éxito; convierte una película muy buena en algo verdaderamente sobresaliente. Y es que llevando casi todo el peso dramático en su musculosa espalda, Edward Norton hace un trabajo de los que perduran un buen tiempo en la memoria, uno de esos que extienden una alfombra roja camino hacia nuestro reconocimiento.
Y no es ningún tipo de favoritismo el que me hace presentaros al actor protagonista por encima de todo lo demás, no; me parece que las razones para hacerlo son lo suficientemente obvias, ya que en mi opinión, esta vez es una de esas ocasiones en la que un actor hace subir varios peldaños a la cinta que protagoniza. En este caso, el trabajo del norteamericano que más tarde actuara en películas como El Club de la Lucha, o El Ilusionista, así como en otras cintas de menos éxito; convierte una película muy buena en algo verdaderamente sobresaliente. Y es que llevando casi todo el peso dramático en su musculosa espalda, Edward Norton hace un trabajo de los que perduran un buen tiempo en la memoria, uno de esos que extienden una alfombra roja camino hacia nuestro reconocimiento.
Narra la historia Derek Vinyard (Edward Norton), un grupo de jóvenes
neonazis que surge como respuesta a las amenazas y agresiones de las
bandas de jovenes negros a chicos blancos... Aquí empieza una historia
apasionante a la par de tensa que crea en el espectador un examen de
conciencia bastante profundo. Es inevitable hacerte varias preguntas al
terminar de ver la película.
Una brisa marina, una caricia furtiva, un atardecer compartido, una
lágrima de emoción, una mirada que taladra tus ojos, un baile sin
música, una lectura placentera, un día soleado, hacer el amor con tu
pareja, un paseo tranquilo, nuevos lugares por descubrir, una
conversación agradable, el aroma de su cuello... Eso es VIDA, es, por desgracia, demasiado corta para estar todo el día
cabreado y lleno de odio, no se
puede vivir siempre lleno de resentimiento. Derek lo llega a comprender, pero demasiado tarde y
yo lo entiendo así. En verdad, American History X es un canto a la vida
y una condena al odio, al nazismo y a la violencia.
Estoy hablando de lo que no hay en muchas personas y debería haber. El
mundo iría mejor.
HASTA EL ÚLTIMO ALIENTO (Running) (1979)
La carga emocional, apasionante y relajante, que experimenta un ser humano que practica un deporte como el "Running", es muy especial. Tu cuerpo se transforma en una máquina, tu mente se desconecta del mundo cotidiano y trabajas en otra frecuencia. Michael Andropolis, es un hombre de más de 35 años, con dos hijas pequeñas, está frustrado por haber fallado en cada uno de sus intentos de proyectos de vida. Su esposa lo ama, pero el no representa una alternativa "viable",
para el futuro familiar. Running es la historia de un hombre que se decide por sobresalir en algo que realmente lo llena como ser humano, el correr, correr para trascender y ser alguien en la vida.
para el futuro familiar. Running es la historia de un hombre que se decide por sobresalir en algo que realmente lo llena como ser humano, el correr, correr para trascender y ser alguien en la vida.
Hay gente que le motivan diferentes cosas en la vida, y nuestro protagonista lo encontró en las carreras de fondo. Estupenda historia motivacional y de reivindicación, Michael Douglas, interpreta a un maratonista (Andropolis) que busca un lugar dentro del equipo olímpico de los Estados Unidos, donde debe de luchar (sobretodo consigo mismo), para demostrarle a toda una nación, el enorme corazón y tenacidad de un auténtico competidor y ser un digno representante de su país.
Un clásico para todos aquellos amantes de las competencias de fondo, y que ayuda a entender la fuerza invisible que mueve a todos aquellos que gozan al correr.
Un clásico para todos aquellos amantes de las competencias de fondo, y que ayuda a entender la fuerza invisible que mueve a todos aquellos que gozan al correr.
Destacan la vibrante y épica partitura musical de André Gagnon, y un juvenil Michael Douglas.
127 HORAS (2010)
Vuelve Danny Boyle. Y de qué manera. Con una película trepidante, que te hace disfrutar pero que a la vez te hace pasar un mal rato y una angustia impresionantes. Quién lo diría viendo la simpleza de su argumento, un montañero que se queda atrapado en una grieta con la única compañía de una roca que no le deja moverse. Toda la peli se apoya (nunca mejor dicho) básicamente en 2 pilares: el montaje y la actuación de James Franco. El montaje es espectacular, seguro que tendrá muchos detractores pero a mí me parece perfecto para reflejar el estado de ánimo del protagonista y todo lo que pasó por su cabeza en esas 127 horas, ya que si hubiera sido de otra forma (más simple o menos efectista) la película podría haber sido mucho más pesada. Teniendo un paisaje como el Blue John, sobra cualquier otro decorado. El
inmenso paraje desértico y las majestuosas grietas sobrecogen al más
puesto.
Y como decía, grandísima la interpretación de James Franco, que nunca me he parecido un actor destacable, pero que en esta ocasión está perfecto. Tanto cuando le toca representar a esa persona aventurera con ilusión, alegría, curiosidad, ganas de vivir experiencias nuevas, como a la hora de transmitir la falta de esperanza, la tremenda desesperación, el agobio, la soledad, los delirios que tuvo soportar Aron. Te hace sufrir con él, sorprenderte con sus ocurrencias, admirar su determinación... y sobre todo, maldecir la tremenda mala suerte que hay que tener para que te ocurra esto, porque es una situación surrealista, casi cómica (si no te pasa a tí, claro). Vamos, que te crea una empatía con el personaje que te mete de lleno en la película, lo que le pasa a él lo sientes tú. Y esto era imprescindible para que todo funcionase, porque apenas hay diálogos, está él solo en pantalla casi todo el tiempo.
También se podría hablar de la banda sonora que, como casi siempre en las pelis de Boyle, es todo un acierto. Sin olvidarnos tampoco de la fotografía, con esos secos paisajes...
Y como decía, grandísima la interpretación de James Franco, que nunca me he parecido un actor destacable, pero que en esta ocasión está perfecto. Tanto cuando le toca representar a esa persona aventurera con ilusión, alegría, curiosidad, ganas de vivir experiencias nuevas, como a la hora de transmitir la falta de esperanza, la tremenda desesperación, el agobio, la soledad, los delirios que tuvo soportar Aron. Te hace sufrir con él, sorprenderte con sus ocurrencias, admirar su determinación... y sobre todo, maldecir la tremenda mala suerte que hay que tener para que te ocurra esto, porque es una situación surrealista, casi cómica (si no te pasa a tí, claro). Vamos, que te crea una empatía con el personaje que te mete de lleno en la película, lo que le pasa a él lo sientes tú. Y esto era imprescindible para que todo funcionase, porque apenas hay diálogos, está él solo en pantalla casi todo el tiempo.
También se podría hablar de la banda sonora que, como casi siempre en las pelis de Boyle, es todo un acierto. Sin olvidarnos tampoco de la fotografía, con esos secos paisajes...
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